忍者神龟以下资料为网络搜集的~图片转自:http://www.ninjaturtles.com/ 达芬奇（里昂纳多）：
绰号：里奥、里昂、无畏的领袖
身高：5.2英尺
体重：180磅
性格：富领导才能、英勇、果断、耳目精灵
喜爱颜色：蓝色
使用武器：武士刀
嗜好：无，蜡烛（如果算的话）
喜爱音乐：传统日本音乐、冥想音乐
喜爱食物：米饭、鱼、沙拉、苹果、比萨
喜爱书籍：孙子著的《孙子兵法》
多纳泰罗：
绰号：唐、唐尼、唐圣人
身高：5.2英尺
体重：180磅
性格：富创造力、思维敏捷、遇事镇定而富应变能力
喜爱颜色：紫色
使用武器：武士棒
嗜好：发明、电脑、机械、数学、科学
喜爱音乐：古典乐、古典摇滚、Roches乐队
喜爱食物：比萨、寿司
喜爱书籍：史蒂芬.霍金著的《时间简史》
拉菲尔：
绰号：拉夫
身高：5.2英尺
体重：180磅
性格：急躁冲动、但心地善良
喜爱颜色：红色
使用武器：忍者匕首
嗜好：冰球、篮球、高尔夫球
喜爱音乐：说唱乐（Rap）、重金属朋克乐
喜爱食物：谷类食物
喜爱书籍：Michael Crichton著的《侏罗纪公园》
米开朗基罗：
绰号：米基
身高：5.2英尺
体重：180磅
性格：乐天主义、富正义感，爱交朋友
喜爱颜色：橙色
使用武器：双节棍
嗜好：滑冰、滑板、电子游戏
喜爱音乐：说唱乐（Rap）、Techno乐队、Jimmy Buffett
喜爱食物：当然是比萨，那还用说
喜爱书籍：Maurice Sendak著的《野生动物》
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忍者神龟名字的资料
Leonado
达．芬奇 (1452-1519)
莱昂纳多．达.芬奇是意大利文艺复兴时期第一位画家，也是整个欧洲文艺复兴时期最杰出的代表人物之一。他是一位思想深邃、学识渊博、多才多艺的艺术大师、科学巨匠、文艺理论家、大哲学家、诗人、音乐家、工程师和发明家。他在几乎每个领域都做出了巨大的贡献。后代的学者称他是“文艺复兴时代最完美的代表”，是“第一流的学者”，是一位“旷世奇才”。所有的，以及更多的赞誉他都当之无愧。
一、天才少年
莱昂纳多．达.芬奇（Leonardo da vinci ,1452-1519）诞生在意大利芬奇镇附近的安基亚诺村，芬奇镇靠近佛罗伦萨。达.芬奇是非婚生子，他的童年是在祖父的田庄里度过的。孩提时代的达.芬奇聪明伶俐，勤奋好学，兴趣广泛。他歌唱得很好，很早就学会弹琵琶，他的即兴演唱，不论歌词还是曲调，都让人惊叹。他尤其喜爱绘画，常为邻里们作画，有“绘画神童”的美称。达.芬奇的家庭是当时佛罗伦萨有名的望族，父亲皮埃罗希望达.芬奇象自己一样当律师，可后来由于发生了一件事情而使皮埃罗改变了想法，决定让小芬奇学画。
当时，皮埃罗受一位农民的委托，要画一幅盾面画。他听说儿子会画画，想试试儿子的画艺，便将这任务交给了小芬奇。小芬奇凭借自己丰富的想象力，用了一个月的时间，画成了一个骇人的妖怪。这妖怪长着火球般的眼睛，张着血盆大口，鼻孔中喷出火焰和毒气，样子十分的恐怖。作品完成后，小芬奇请父亲来到他的房间。他把窗遮去一半，将画架竖在光线恰好落在妖怪身上的地方。皮埃罗刚走进房间时，一眼就看到了这个面目狰狞的怪物，吓得大叫起来。小芬奇则笑着对父亲说：“请您拿去吧，这就是它该产生的效果。”皮埃罗从此确信儿子有绘画天赋，便将小芬奇送往佛罗伦萨，师从著名的艺术家委罗基奥，开始系统地学习造型艺术。此时的达.芬奇只有14岁。
委罗基奥的画舫是当时佛罗伦萨著名的艺术中心，经常有意大利人文主义者在这里聚会，讨论学术问题。达.芬奇在这里结实了一大批知名的人文主义者、艺术家和科学家，开始接受人文主义的熏陶。 达.芬奇在20岁时已有很高的艺术造诣，他用画笔和雕刻刀去表现大自然和现实生活的真、善、美，热情歌颂人生的幸福和大自然的美妙。
达.芬奇并不满足他的这些才干，他要掌握人类思想的各个领域。他眼光独到，做事干练，具有艺术的灵魂。有一次，他在山里迷了路，走到了一个漆黑的山洞前。他在后来回忆这段经历时说：“我突然产生了两种情绪——害怕和渴望：对漆黑的洞穴感到害怕，又想看看其中是否会有什么怪异的东西。”他一生都被这两种情绪所羁束——对生活之不可知或无力探知的神秘感到害怕，而又想把这个神秘之不可知性加以揭露，加以研究，解释其含义，描绘其壮观。他很早就下定决心，要做一个研究者、一个教师、尤其是一个艺术家。
二．科学巨匠
达.芬奇无论是在艺术领域，还是在自然科学领域，都取得了惊人的成就。他的眼光与科学知识水平超越了他的时代。
在文艺复兴早期，人们盲目地接受传统观念，崇拜古代权威和古典著作。人们学习科学知识也只是学习象《圣经》一样的亚里士多德的理论，只相信文字记载。达.芬奇反对经院哲学家们把过去的教义和言论作为知识基础，他鼓励人们向大自然学习，到自然界中寻求知识和真理。他认为知识起源于实践，只有从实践出发，通过实践去探索科学的奥秘。他说“理论脱离实践是最大的不幸”，“实践应以好的理论为基础”。达.芬奇提出并掌握了这种先进的科学方法，采用这种科学方法去进行科学研究，在自然科学方面作出了巨大的贡献。他提出的这一方法，后来得到了伽利略的发展，并由英国哲学家弗兰西斯．培根从理论上加以总结，成为近代自然科学的最基本方法。 达.芬奇坚信科学，他对宗教感到厌恶，抨击天主教为“一个贩卖欺骗的店铺”。他说：“真理只有一个，他不是在宗教之中，而是在科学之中。”达.芬奇的实验工作方法为后来哥白尼、伽利略、开普勒、牛顿等人的发明创造开辟了道路。
在天文学上，达.芬奇对传统的“地球中心说”持否定的观点。他认为地球不是太阳系的中心，更不是宇宙的中心，而只是一颗绕太阳运转的行星，太阳本身是不运动的。达.芬奇还认为月亮自身并不发光，他只是反射太阳的光辉。他的这些观点的提出早于哥白尼“太阳中心说”。甚至在当时，达.芬奇就幻想利用太阳能了。
在物理学方面， 达.芬奇重新发现了液体压力的概念，提出了连通器原理。他指出：在连通器内，同一液体的液面高度是相同的，不同液体的液面高度不同，液体的高度与密度成反比。他发现了惯性原理，后来为伽利略的实验所证明。他认为一个抛射体最初是沿倾斜的直线上升，在引力和冲力的混合作用下作曲线位移，最后冲力耗尽，在引力的作用下作垂直下落运动。他的这一发现使亚里士多德的落体学说产生了动摇。他发展了杠杆原理，除推导出作用力与臂长关系外，还算出了速度与臂长的关系。他指出了“永动机”作为能源的不可能性。达.芬奇还预示了物质的原子原理，形象生动的描述了原子能的威力：“那东西将从地底下爆起，……使人在无声的气息中突然死去，城堡也遭到彻底毁坏，看起来在空中似乎有破坏力。”
达.芬奇在解剖学和生理学上也取得了巨大的成就，被认为是近代生理解剖学的始祖。他掌握了人体解剖知识，从解剖学入手，研究了生理学和医学。他最先采用蜡来表现人脑的内部结构，也是设想用玻璃和陶瓷制作心脏和眼睛的第一人。他发现了血液的功能，认为血液对人体起着新陈代谢的作用。他说血液不断的改造全身，把养料带到身体需要的各个部分，再把体内废物带走。达.芬奇研究过心脏，他发现心脏有四个腔，并画出了心脏瓣膜。他认为老年人的死因之一是动脉硬化，而产生动脉硬化的原因是缺乏运动。后来，英国的威廉．哈维证实和发展了达.芬奇的这些生理学成果。
达.芬奇的研究和发明还涉及到军事和机械方面，他发明了飞行机械、直升飞机、降落伞、机关枪、手榴弹、坦克车、潜水艇、双层船壳战舰、起重机等等。他还在数学领域和水利工程等方面作出了重大的贡献。 可以说，达.芬奇的研究涉及到自然科学的每一部门，他的思想和才能深入到人类知识的各个领域。他是世界上少有的全面发展的学者。
但是达．芬奇的大多数著作和手稿都没有发表，直到他逝世后多年才被世人所发现。科学史家丹皮尔这样评论达.芬奇，“如果他当初发表他的著作的话，科学本来一定会一下就跳到一百年以后的局面。”
三．艺术大师
说到艺术创作，在文艺复兴时期当数达.芬奇、米开朗基罗和拉斐尔的成就最高。他们的艺术成就达到了西方造型艺术继古希腊之后的第二次高峰，仅绘画而言，则达到了欧洲的第一次高峰。其中尤以达.芬奇最为突出，恩格斯称他是巨人中的巨人。在艺术创作方面，达.芬奇解决了造型艺术三个领域——建筑、雕刻、绘画中的重大课题：1、解决了纪念性中央圆屋顶建筑物设计和理想城市的规划问题；2、完成了15世纪以来雕刻家深感棘手的骑马纪念碑雕像的课题；3、解决了当时绘画中两个重要领域--纪念性壁画和祭坛画的问题。达.芬奇的艺术作品不仅象镜子似的反映事物，而且还以思考指导创作，从自然界中观察和选择美的部分加以表现。壁画《最后的晚餐》、祭坛画《岩间圣母》和肖像画《蒙娜丽莎》是他一生的三大杰作。这三幅作品是达.芬奇为世界艺术宝库留下的珍品中的珍品，是欧洲艺术的拱顶之石。
四．文艺复兴精神的代表
达.芬奇比之文艺复兴时期中的任何一人，有更多的、领域更广的幻想。他思想深邃、博学多才。他怀着永无休止的探索精神去研究自然和人生的一切奥秘，他把艺术和科学、理智和情感、形体和精神熔于一炉，继承和发扬了前人的人文主义思想和现实主义表现手法，把艺术推进到一个前所未有的高度，为自然科学的发展作出了巨大贡献。 达.芬奇是当之无愧的“文艺复兴时代最完美的代表人物”。
Donatello
多纳泰罗（约1386～1466）
意大利文艺复兴时期雕刻家。生于佛罗伦萨，1466年12月13日卒于同地。1404～1407年曾协助L.吉贝尔蒂制作洗礼堂的青铜门，后随F.布鲁内莱斯基至罗马观摩学习古典雕刻。作品写实技艺高超，并首次将透视法运用于浮雕创作中。装饰在佛罗伦萨奥尔圣米凯尔教堂的大理石雕像《圣马可像》、《圣乔治像》，是其最成熟的作品。雕像比例适当，姿态生动，以其雄浑的气势和厚重、自然的衣褶革新了当时的雕刻艺术。另一代表作《大卫》青铜雕像，是文艺复兴时期第一件全身裸体人像。晚期作品《加塔梅拉塔骑马像》，高4米，构图稳定，人和马的形象都达到无懈可击的解剖学上的精确程度，是古今同类作品中的不朽杰作之一。
青铜，高１２６厘米，１４４３－１４４４年作，佛罗伦 萨国立美术馆藏）
多纳太罗（１３８６－１４６６年）是文艺复兴初斯意大利最杰出的雕塑家、现实 主义美术的重要开拓者之一。青铜雕刻《大卫》是他重要的代表作，也是文化复兴时期 第一个全裸的人体雕刻，它标志着希腊、罗马的人体美术传统又得到了恢复。 来自《 圣经》传说中的大卫的这一形象，是欧洲文艺复兴时期美术家经常表现的题材。传说古 代犹太人的国王大卫，在少年时就以甩石绝技击杀了巨人歌利亚，因而闻名，多纳太罗 的这一《大卫》，正是表现少年大卫杀死巨人后，用脚踩在巨人首级上，流露出胜利者 的喜悦和自豪的情景。大卫的形象，不仅人体比例正确，而且体态优美，线条流畅，表 现了多纳太罗塑造人体的高度技巧。
Raphael
拉斐尔·圣齐奥 (1483-1520)
一位只活了37岁，却成为文艺复兴盛期最杰出的大师之一，他就是意大利画家拉斐尔(Raphael，1483～1520)。他的画风代表了当时人们最崇尚的审美趣味。
这位绝顶聪明的年青画家和建筑师于1483年4月6日出生在一个艺术世家，在接受了父亲的启蒙教育后，跟随佩鲁吉诺学习绘画。他不仅继承了老师秀美、静雅的画风，而且还汲取了达·芬奇的庄严崇高女性之美的风格和米开朗琪罗强劲的雕塑感，以及威尼斯画派光润透明的色彩感。他博采众长，融汇贯通，形成了自己秀美、典雅、和谐、明朗的独特风格。他的最著名的作品是1512年～1513年间完成的壁画 《西斯廷圣母》。这幅作品人物的处理、空间和色彩的安排都极为概括、鲜明。作品遵循着和谐、均衡的规律，画中略带忧郁的圣母怀抱圣婴是那样的端庄安详，朴素恬静，被誉为善和美的化身。另一幅《雅典学派》则以气势宏伟的构图，庄重鲜明的色彩，秀美典雅的人物形象令人叹为观止。这幅画荟萃古希腊、罗马和当时意大利的50多位哲学家、科学家、艺术家和社会名流于一堂，表现了艺术家对希腊精神的崇拜，对人类智慧的赞美，是古今壁画艺术中的登峰造极之作。
拉斐尔短短一生创作了300多幅作品。他的艺术被后人尊为古典主义艺术的典范，不仅影响了以后的巴洛克艺术风格，而且对17世纪法国古典学派甚至对法国大革命后的新古典主义美术都产生了深远的影响。
《西斯廷圣母》为拉斐尔“圣母像”中的代表作，它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。这幅画是教皇朱理亚二世送给皮亚琴察西斯廷教堂黑衣修士的礼品，拉斐尔受托而为这一教堂的祭坛作画，故有《西斯廷圣母》之名。画面表现圣母抱着圣子从云端降下，两边帷幕旁画有一男一女，身穿金色锦袍的男性长者乃教皇西斯克特，他向圣母圣子做出欢迎的姿态。而稍作跪状的年轻女子乃圣母的信徒渥娃拉，她虔心垂目，侧脸低头，微露羞怯，表示了对圣母圣子的崇敬和恭顺。位于中心的圣母体态丰满优美，面部表情端庄安详，秀丽文静，扒在下方的两个小天使睁着大眼仰望圣母的降临，稚气童心跃然画上。拉斐尔的这幅名画对美丽与神圣、爱慕与敬仰的把握都恰到好处，显示出高雅、柔媚、和谐、明快的格调，因而使人获得一种清新、纯洁、高尚、升华的精神享受。
拉斐尔的一生虽然像莫扎特那样短促（两人的生平有许多相似之处），可是有关他的传说及提供的范例却是非常之多。这些传说和范例一方面肯定了这位画家无可争辨的才华，另一方面却也可能阻碍了对这位画家的了解。一提起拉斐尔其人，提起拉斐尔的艺术风格，总离不开“超凡入圣”、“尽善尽美”这些始于瓦萨里的形容词，这使广大公众对拉斐尔（世界艺术史上最伟大的画家之一）的作品无法深刻领会并与之沟通，无法立即把拉斐尔的作品与那些总想用“天才”、“天才表现”等词句来标榜的蹩脚作品分开，从而在他的作品中体味生命的苦闷、浪漫的热情及感情的折磨。
拉斐尔的作品充分体现了安宁、和谐、协调、对称以及完美和恬静的秩序——从这个意义上说，他的作品确实可被称为“人文主义及文艺复兴世界的顶峰”。人们往往忘记或忽略的是这样一种情况：拉斐尔是在历史的中心、在一系列重大事件及某种只持续了很短时间的思想风潮上攀登了顶峰，这个奇迹的创造者是一个年轻人，而这个年轻人以偏巧不得于两位最伟大的巨匠——达·芬奇和米开朗基罗相较量，三人生活的年代前后差不了多少年。拉斐尔找到了“第三条路”，就是对他那个年代所有艺术成就的综合与超越。这正是拉斐尔的光荣及历史作用，那是他凭借艺术与思想、努力与理性，通过坚持不懈的检试、体验与思考而获得的。他的成功归因于他那非凡的才能：把来自艺术的那一崇高的革命性时代（15世纪末至16世纪初）的任何一种激励和启示加以提炼和消化。这表明了他的巨大智慧和高超的造谐。这种能力确实异乎寻常。
拉斐尔赋予了古代美以新的生命。在他的画中，古代艺术获得了再生，并发展成一种新的不同的完美形式，拉斐尔的成就，代表了文艺复兴时期绘画的最高水平。
在这幅作于1505年的题为《母与子》的圣母像中，我们看到圣母子坐在凳子上，背后是一片温柔和景色。这天，风和日丽，我们可以看到远处的山峦融进浅蓝色的天空。
右边的几簇矮树丛，把我们的目光引向了山上的那座小教堂。这使我们想到年轻的母亲与她的婴儿属于宗教的世界。母亲与孩子头上环绕的两道光环，是他们圣洁的标志。拉斐尔无需用这种标志来展现他所要表达的东西。他把年轻的母亲绘得那样甜蜜，梦幻般的脸画得如此温柔，当我们看着她时，我们想到的只能是圣母。
她那双大大的眼睛根本没看任何东西，因为它们追随着她的思绪。她正在沉思，似乎没有注意到婴儿耶稣把他的小脚放在她那只搁在膝盖的手上。她的另一只手抱着婴儿。
当我们把她的双手与脸放在一起理解的时候，我们感到她似乎已经忘记了婴儿的存在，她在想着耶稣与他的未来前程。
与他的母亲相比，小耶稣画得比他那个年龄的男孩大是自然的。拉斐尔创作这个孩子的肖像的方式，确立了耶稣在画中的重要位置。
看圣母子的脸，我们可以发现，那柔和的轮廓、大大的眼睛、挺拔的鼻子和小嘴，与希腊杰出的雕塑家普拉克西特利斯创作的维纳斯头像有着惊人的相似，这是因为，拉斐尔是文艺复兴时期的一位艺术家，他一直在对古代艺术进行研究。但也有不同，拉斐尔把圣母的脸画得更加温柔，他把古代女神的神态画得更精致、更柔和，赋予了一件古代异教徒的艺术作品以新的基督教的含义。
拉斐尔为梵蒂冈宫绘制的三幅巨型壁画之一。在《雅典学院》的画面上,作者把古希腊以来的著名哲学家和思想家聚于一堂,其中包括亚里士多德、苏格拉底、柏拉图、毕达哥拉斯、还有艺术家自己。整个壁画洋溢着浓厚的学术研究和自由辩论的空气,所有的人们都是那样毫无拘束地按照自己的意志和个性在进行活动,他们或者在一起侃侃而谈,或者是独个儿在那里进行思考,人物或立,或坐,或缓步走动,人文主义的艺术家总是设法使画面上的人物享有充分的自由。如果说米开朗基罗的壁画是在颂扬人的无限强大的意志和创造力,那么,拉斐尔的《雅典学院》便是唱出引人的自觉和清醒理智的赞歌。此画中,拉斐尔不仅塑造了那些思想家的典型形象,揭示了他们各自不同的性格特征和丰富的精神面貌,而且在构图上还巧妙地利用建筑的特点,把画面上背景,建筑物的透视和前面真实建筑物的半圆拱门连接起来,扩大了壁画的空间效果,使建筑物显得更加宽敞,壮丽。
Michelangelo
米开朗基罗·博那罗蒂(Michelangelo Bounaroti) 1475－1564
米开朗基罗·博纳罗蒂作为文艺复兴的巨匠，以他超越时空的宏伟大作，在生前和后世都造成了无与论比的巨大影响。他和达芬奇一样多才多艺，兼雕刻家、画家、建筑家和诗人于一身。他得天独厚活到89岁，度过了70余年的艺术生涯，他经历人生坎坷和世态炎凉，使他一生所留下的作品都带有戏剧般的效果、磅礴的气势和人类的悲壮。
米开朗基罗13岁就进了佛罗伦萨著名画家多梅尼科·吉兰达伊奥的工作室，在那里他最初接触了终生所从事的神圣事业，并以神奇的速度掌握了绘画技巧。后来他又进了佛罗伦萨统治者罗伦佐·美第奇开办的“自由美术学校”，由于他的超群才华倍受罗伦佐的重视和爱护，宫廷中大量的艺术品成了他学习、研究的对象，经常出入于宫中的人文主义诗人和学者也给了他极大影响。短短四年中，他在美第奇宫里获得了一个伟大艺术家所必须具备的一切条件，为他整个艺术创作打下了坚实基础。
在罗伦佐的府邸里，设有一个“柏拉图学院”，学者们聚在一起研究学问，他们在罗伦佐的支持下创立了一种新的思想体系——人文主义，他们的思想是要把世界归还给人，把人归还给他自己。把人的艺术、文学和科学，还有作为个体的独立的思想和感情归还给人，人绝不能像一个奴隶一样被捆绑在教条之上，在锁链中死亡腐朽。
米开朗基罗还经常去听宗教改革家、修道士萨伏纳罗拉揭露教会黑暗的演说，这位为了拯救人类命运而不怕宗教法庭审判的修道士给他的灵魂留下了不可磨灭的烙印。
罗伦佐·美第奇死后，米开朗基罗失去了保护人，佛罗伦萨陷于一片混乱，他深感故乡非久留之地，而赴威尼斯和波伦亚，后转道罗马寻找发展机会。罗马到处林立古代雕像，犹如走进巨大的古代艺术宝库。23岁的米开朗基罗受法国红衣主教委托，为圣彼得教堂制作 《哀悼基督》雕像。这件雕像的问世，使米开朗基罗名盖罗马，自多纳太罗之后又一颗雕刻巨星升起。26岁的米开朗基罗载誉回到故乡佛罗伦萨，便立即从事《大卫》云石雕像的制作，三年后完成，安放在韦吉奥宫正门前，作为佛罗伦萨守护神和民主政府的象征。
1505年应教皇朱理二世邀请，米开朗基罗赴罗马为教皇在圣彼得教堂内建造陵墓，雕刻家历经艰辛磨难为陵墓留下名雕《摩西》和奴隶等雕像，米开朗基罗的雕塑成就，使教皇的艺术总监勃拉曼特极为妒忌，他唆使教皇暂不修陵墓，强求雕刻家去画西斯廷教堂天顶壁画，米开朗基罗以超凡的智慧和毅力完成了世界上最大的壁画《创世纪》。
41岁的大师重又回到佛罗伦萨，出生美第奇家族的教皇利奥十世又强迫米开朗基罗为其祖宗圣罗伦佐陵墓制作雕像，著名的《日》 《夜》《晨》《暮》雕像就是安放在这座陵墓的石棺上。
已经61岁的雕刻家又被教皇召到罗马，在25年前完成的《创世纪》天顶画下的祭坛壁面上绘制《末日的审判》。米开朗基罗是人类天才、智慧和勇气的结晶，他的光荣与成就属于全人类。
文艺复兴时期的第二位大艺术家米开朗基罗，于1475年3月6日出生在佛罗伦萨附近的加普勒斯镇。母亲生下他后即离开人世，他是在一个石匠的妻子哺育下长大的，所以后来米开朗基罗风趣地对人说：“我是全靠奶娘的奶水，才拿得起雕刻刀和锤子来的。”后来，他随家迁居塞丁尼亚诺，十三岁进佛罗伦萨画家基兰达约的工场学艺。不到两年，又转入圣马可修道院的美第奇家院当学徒。这里实际上是一个美术与文物的收藏所，他从中获得了丰富的知识。后来，在老师指导下，他常去修道院解剖尸体，研究人体解剖学。他每天去修道院学解剖，在那里常听到一位主张宗教改革的僧侣的演讲。这人就是著名的宗教“叛逆者”--修道士萨伏纳罗拉。他在演说中，对当时权贵的横征暴敛、鱼肉人民等罪恶行径进行无情的揭露，并且提出了改革时弊的要求。据说，当时听讲的人把圣马可修道院挤得水泄不通，后来不得不迁到另一所大教室去讲演。少年时代的米开朗基罗，对这位为了拯救人类命运而不怕宗教裁判的僧侣，产生了强烈的印象。
1493年，萨伏纳罗拉被教皇逮捕并处以火刑。这使米开朗基罗的心灵受到很大震动。1498一1500年间，当他能接受订件独立创作时，第一件完成的成功之作，就是这尊组
雕《哀悼基督》，他在基督的形象上添上了萨伏纳罗拉的影子。
《哀悼基督》系圣经故事：耶酥被犹太总督彼拉多抓住，并被兵丁订死在十字架上，圣母马利亚抱着死去的儿子耶酥的尸体号啕痛哭。米开朗基罗在这座雕像上寄托了自己
对宗教改革者萨伏纳罗拉的哀思。雕刻家紧紧扣住耶酥在临死前，对大祭司该亚法所说的“我一向是光明正大地对人世说话”进行构思，而萨伏纳罗拉这个为民请命的“殉道者”
形象，正是他心中的基督。抱着尸体悲哀的年轻美丽的圣母马利亚，则象征着意大利祖国。
这座组雕原系法国主教所订制，准备把它放进罗马的大教堂的。米开朗基罗完成此作品时，年仅二十来岁。按照一般艺术家的构思和设计，圣母在哀悼时显示的崇高与伟大，往往是通过一位苍老而衰颓的母性来表达的，但这种老框框不能使米开朗基罗满足，他要尽一切努力使艺术形式达到前所未有的完美。于是决定打破常规，把圣母表现得异常年轻，不仅年轻，而且貌美。后来，他在给学生解释为什么把圣母塑造得如此俊俏时说：“既然圣母是纯洁、崇高的化身，是神圣事物的象征，就一定能够避免岁月的折磨和世事的毁损。她所体现的青春永恒与形象的不行性，正是人类对这种美好事物的最高理想。”米开朗基罗把圣母表现得如此秀丽，不仅没有减弱她为基督的死所表示的悲痛，相反，她的哀悼具有人间的普遍意昧。在那个年代里，美好的事物常常很快被专制与暴力所虐杀，萨伏纳罗拉的被焚，正是在封建神权阴影下的大悲剧。
这尊雕像的写实技巧也是令人称奇的。米开朗基罗以娴熟的技巧，塑造了人物的正确造型，细致入微的圣母衣裙，基督的完美人体结构，都雕凿得楚楚动人，从而使观者能从逼真的外形上强烈地感受到人物的内心痛楚。我们可以发现圣母的美是直觉的，而她的哀是本质的，这一切使得大理石赋有了生命。为了使作品呈现光彩，米开朗基罗还给雕像作了极其精细的打磨和揩光工作，在用刀凿刻的最细微部分，竞还用天鹅绒细心地磨擦，直到石像的表面完全平滑光亮为止，就连观众见不着的地方，也打磨得十分精细。雕像一经展出，立即轰动了罗马全城，观众几乎不相信这尊组雕是出自一个年轻雕塑家之手。为了消除人们的猜疑，米开朗基罗第一次把自己的姓名刻在圣母像胸前的衣带上面。[
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